Cette courte pièce pour cinq voix de femmes s’origine dans un très beau texte de Marguerite Porète, mystique du 13è siècle, qui fut brûlée vive par l’Inquisition le 1^er Juin 1310 sur la place de Grèves à Paris.

Ce texte en vieux français est tiré de son unique livre « Le miroir des âmes simples et anéanties ».

L’écriture vocale contribue ici à donner l’illusion sonore d’une seule et même voix, celle de la « Chanson de l’âme » de cette amoureuse : « Ami, tu m’as emprise en ton amour pour ton grand trésor me donner… ».

           Paradiso   (2018)

       Sur le texte du Paradis de Dante.                                        

Il n’est pas aisé de s’attaquer à un texte tel que le Paradis de Dante, troisième volet de la Divine Comédie. J’ai tenté ici d’en exprimer l’essentiel, en utilisant tour à tour l’italien et la traduction française.

L’essence de ce long poème est avant toute chose le mouvement circulaire, qui caractérise la montée de Dante à travers les différents ciels, jusqu’au dernier, l’Empyrée, le Ciel de feu.

Le mouvement, mais aussi la lumière, et l’ombre, qui s’estompe au fur et à mesure de cette ascension.

Cinq parties guident l’auditeur :

1. Prologue 2. L’ombre de la terre 3. Le vol des lumières 4. L’échelle d’or 5. Le ciel de feu.

Les deux accordéons sont volontairement traités en un contrepoint complémentaire à celui des voix, renforçant ainsi leur identité. La microtonalité de ces deux instruments, employée à certains endroits, vient souligner le caractère iréel de ces visions.                            

            Dans le cadre des célébrations du centenaire de l’année 1917, cette œuvre m’a été commandée pour la commémoration de la bataille du « Chemin des dames », dans l’Aisne,   où s’étaient établis les allemands.

                        L’ordre d’attaque a été donné à 6h du matin le 16 Avril 1917 d’où le titre du « Front de l’Aube ». Cette bataille a généré des pertes terribles qui provoquèrent des mutineries et l’interruption de l’offensive contre les allemands.

            Le « Chemin des dames » est une longue ligne de crête qui sépare les vallées de l’Aisne et de l’Ailette. Toute l’élaboration du livret s’est organisée autour de cette idée de « chemin d’en haut », induisant les notions d’«en haut » et d’ «en bas », évoquant les cimetières plantés de croix blanches qui longent aujourd’hui cette route, sans oublier la rébellion des soldats qui s’ensuivit.

            Le baryton incarne leur voix, leur souffrance, leur mort, le chœur d’enfants évoque leur au-delà.

- 1 Prologue

- 2 Chemin d’en bas

- 3 Chemin englouti

- 4 Chemin d’en haut

- 5 De l’autre côté

- 6 Clameur

- 7 Chemin blanc

                                                                                               Edith Canat de Chizy

Ce titre fait référence au tableau de James Abott Whistler, « Nocturne en noir et or », peint en 1875, retraçant les retombées des fusées d’un feu d’artifice. Ce même tableau avait séduit Debussy dans son deuxième nocturne « Fêtes ».

Ici, la nuit est le décor. Elle est embrasée par les éclairs, les éclats et les étincelles de la fête. La facture est active, efficace, on perçoit le mouvement, la hâte, le mystère, la fluidité de la peinture, toutes choses inhérentes à mon écriture musicale où j’ai souvent voulu traduire la relation entre la matière picturale et le matériau sonore.

Elle est ici suggérée par l’emploi de modes de jeu propres aux cordes : le jeu « peu appuyé », les cordes étouffées, les « sul tasto », « sul ponticello », « col legno », les harmoniques, etc… qui donnent à ce quatuor un caractère fugitif, hâtif, mystérieux où domine la fulgurance du mouvement.

Par ailleurs, j’ai voulu insister sur la dimension spatiale particulièrement sensible dans ce tableau en utilisant et en opposant les tessitures extrêmes.

                                                                                   E. Canat de Chizy

Ce concerto est un hommage à Devy Erlih, fervent acteur de la création contemporaine, disparu de façon soudaine et brutale le 7 Février 2012 dans un accident de la circulation, d’où le titre que j’ai donné à cette œuvre, et cet aiku en exergue de la partition : « Particule dans le soleil d’hiver, je voudrais partir. » (Sôma Senshi) …

Violoniste moi-même, j’ai cherché dans le traitement de cet instrument à élargir son registre par l’utilisation des harmoniques, des trémolos sur des hauteurs libres, le jeu non-appuyé, flautando, les bariolages, ces modes de jeu générant une multitude de spectres non tempérés, et tout un monde de timbres relayé, accompagné, et amplifié par l’écriture orchestrale.

J’ai cherché, par l’organisation des registres, et particulièrement ceux de l’extrême aigu et de l’extrême grave, à dilater l’espace sonore dans lequel le violon puisse entrer en résonance avec l’orchestre, notamment par un jeu d’échos apparaissant à divers moments de la partition. L’image du Soleil d’hiver a ici fortement imprégné mon univers.

Bien loin de la tradition classique de la forme du concerto, soliste et orchestre sont ici intimement mêlés,

                                                                       Edith Canat de Chizy

                                                       2016

J’ai réuni ici huit thèmes caractéristiques de la peinture de Nicolas de Staël, mais aussi de son parcours, ses découvertes, ses enthousisames :

1 Voyage

2 Couleur

3 Ciels

4 Lumière

5 Mouvement

6 Musique

7 Espace

8 Inachevé

Deux aspects contradictoires de son caractère m’ont particulièrement frappée et ont imprégné mon écriture musicale : une sombre inquiétude habitait Nicolas de Staël comme une sourde menace et l’amènera à cette fin tragique. A l’autre extrême, le goût du voyage, du mouvement, de l’imprévu, du jaillissement, de la vibration des formes. 

Les extraits de ses lettres font mieux connaître ceux qui l’ont accompagné tout au long de sa vie : ses parents adoptifs, M. et Mme Fricero, son biographe, Pierre Lecuire, Jean Bauret, industriel, collectionneur, un des amis les plus fidèles de Staël jusqu’à sa mort, Jacques Dubourg, son galeriste, Françoise de Staël, sa seconde épouse, Olga de Staël, sa sœur cadette, René Char, poète, ami et confident, Douglas Cooper, historien d’art et collectionneur anglais, Théodore Schempp, dit Ted, marchand de tableaux américain qui le fit connaître aux Etats-Unis, Jeanne Polge, sa dernière passion.

« Peindre et écrire : deux activités qui semblent indissociables dans l’esprit de Nicolas de Staël. » (Thomas Augais)

                                                                                   Edith Canat de Chizy

Orph'Aeon a été écrit pour les dix ans du label discographique AEON, à la demande de Damien Pousset son directeur artistique, d'où son titre. Elle emploie un effectif de percussions léger, fait d'instruments pour la plupart d'origine chinoise ( gong, cymbales chinoises, cymbalettes et blocks.)

E. Canat de Chizy

            Le titre est emprunté à un aiku de Yosa Buson : «  Si profonde cette belle-de-jour à la couleur d’abîme ».

 Couleur et abîme, ces deux mots résument le propos de cette pièce d’orchestre essentiellement axée sur l’exploration des  timbres et l’opposition des tessitures : à l’extrême aigu répond l’extrême grave, les lentes dérives de l’orchestre alternent avec des chutes fulgurantes et brutales.

Des scansions circulent tout au long de l’œuvre, passant des cuivres aux percussions, les souffles des instruments s’inscrivent dans une couleur sombre et mystérieuse.

                                                                       E. Canat de Chizy

Cette pièce se situe dans la grande tradition des lamenti de Monteverdi, Purcell, Britten (Lacrimae), ou encore plus récemment le Concerto lugubre de Tadeusz Baird.

Il ne s’agit pas bien sûr d’une parenté esthétique, mais de cette capacité de l’alto à exprimer la plainte, et de sa parenté avec la voix.

Deux éléments,  l’un percussif et l’autre mélodique vont se répondre, se développer et interférer tout au long de la pièce jusqu’à lui donner une dimension polyphonique, telle que l’envisageait Berio dans ses Sequenza.

                                                                                                                             E. Canat de Chizy

Seascapeest comme son nom l'indique un paysage marin, issu de toutes les "marines" qui ornent mon intérieur, chinées de brocante en brocante... et d'une longue contemplation du bord de mer depuis plus de vingt ans.

 Divers aspects de ce paysage sont évoqués tout au long de cette pièce, articulés autour du piano et de la percussion : de la mer encalminée aux vagues déferlantes, c’est encore la loi du mouvement qui régit la forme et l’écriture.

 Dialectique du mobile et de l’immobile, mouvance de la musique ou musique de la mouvance, la percussion s’inscrit dans cette traversée comme autant de sons révélateurs de cet univers.

                                                                                              E. Canat de Chizy 

Après une première pièce pour trio à cordes, accordéon et électronique, « Over the sea », commande de l’Ircam créée en 2012 dans le cadre du Festival ManiFeste, j’ai souhaité prolonger l’expérience avec les voix, pour lesquelles j’ai déjà beaucoup écrit, en les confrontant aux instruments à vent.

J’ai choisi à cet égard des textes issus des deux ouvrages écrits par Hildegarde de Bingen relatant ses visions de l’univers : le Scivias, titre qui provient de l’expression latine Sci vias Domini(« Sache les voies du Seigneur »), achevé en 1151 et Le livre des œuvres divines, écrit entre 1163 et 1174, dont voici un extrait ;

« Je contemplai : et voici que le vent d’est et le vent du sud, eux qui, avec leurs vents annexes, meuvent du souffle de leur énergie le firmament, se mirent à animer ce dernier d’un mouvement circulaire, du levant au couchant, au-dessus de la terre. »

En relation avec cette idée de « mouvement circulaire », le traitement électronique agrandit  l’espace acoustique tout en développant différents modes de rotation et de mouvement par la mise en relation homophonique et antiphonaire des voix et des instruments à vents, et par la spatialisation des percussions.

En ce qui concerne la forme de la pièce, j’ai retracé en six séquences la succession de ces visions, depuis l’appel à écrire, « Dic et scribe », jusqu’à la description de la fin des temps et la prière d’action de grâce, l’œuvre se terminant sur le mot « Caritas ». J’ai utilisé tour à tour le latin et sa traduction française pour restituer le sens d’une part, et exploiter la sonorité des mots d’autre part.

L’idée d’énergie divine domine toute la pièce, selon le terme utilisé par Hildegarde de Bingen : « viriditas », la « viridité ».

Edith Canat de Chizy

Cette œuvre pour soprane et orchestre est la troisième pièce de mon catalogue inspiré par la poésie de Philippe Jaccottet.

            Or, il est beaucoup plus facile de traiter un texte en prose qu’un poème (qui plus est en français) aussi dense et construit que celui de Philippe Jaccottet utilisé ici, le deuxième de son recueil «  A la lumière d’hiver ».

            Ce texte relate une expérience mystérieuse, un itinéraire dans la nuit jusqu’à la révélation de cet « autre chose, de plus caché, mais de plus proche… »

            Aussi ai-je reflété les étapes de cet itinéraire : deux parties, six sections, la première « voilée », le basculement de la deuxième partie correspondant au « dévoilement » de cet « autre chose ».

            J’ai intégralement respecté le texte, non sans de multiples questions concernant le rapport à la prosodie…

                                                                                  Edith Canat de Chizy

Il se trouve que je connais et récite cette pièce depuis très longtemps. Aussi ai-je été particulièrement concernée par cette commande du Jeune Chœur de Paris.
J'ai tenu ici à mettre en présence le texte latin et sa traduction anglaise, l'anglais apportant un autre intérêt phonétique.
L'utilisation dans cette courte pièce du parlé et chanté sur le mode « recto-tono » est particulièrement importante, se référant à la prière monacale. Le Nunc Dimittis se chantant dans les monastères à l'office des Complies, le recours au souffle apporte une dimension mystérieuse, inhérente au texte même.

Edith Canat de Chizy

Mes fréquents séjours près de l'Atlantique m'ont familiarisée avec la famille des échassiers dont fait partie l'ibis rouge: son cri rauque, son vol lent et lourd, ses pratiques grégaires et son port majestueux. Quatre thèmes ont nourri cette courte pièce caractérisée par le travail sur des modes de jeu divers: la parade amoureuse, le cri, le vol et le ressac du bord de mer.

Cinq miniatures; cinq pièces d'une à deux minutes s'enchaînant les unes aux autres, suivant l'itinéraire proposé par ces cinq aikai:

1: "Au clair de lune, je laisse ma barque pour entrer dans le ciel." Kôda Rohan

2: " Lucioles! lucioles! dans la rivière les ténèbres coulent" Chiyo-ni

3: " Mille petits poissons blancs, comme si frétillait la couleur de l'eau" Konishi Raizan

4: " L'eau devient cristal, les lucioles s'éteignent. Rien n'existe." Chiyo-ni

5: " Le grand jour blanc me dénude l'âme, feuilles mortes" Watanabe Suiha

Ces "instants-poèmes" que sont les haikai où sont à la fois révélés l'immuable et l'éphémère m'ont suggéré une musique brève, fugitive, elliptique, dont le propos est surtout d'entrer en résonance avec l'univers poétique évoqué.

E. Canat de Chizy

Dans l'écriture de ce concerto, j'ai désiré poursuivre mon travail sur l'idée de mouvement commencée à travers des oeuvres comme Moving pour trio à cordes ou Formes du vent (sous-titrée cinq études de mouvement) : dans cette pièce pour violoncelle seul, j'avais exploré l'univers de Pierre Reverdy, poète par excellence de la fugacité et de la mouvance, qui évoque un monde où "tout se déséquilibre et tangue".
J'ai voulu ici approfondir cette exploration, notamment à travers le choix de la clarinette dont les infinies possibilités de timbre et la grande vélocité permettaient de générer une écriture tour à tour fluide, nerveuse et violente.
Le titre Drift (dérive en anglais) m'a paru synthétiser cette esthétique de la fuite, dans laquelle le vent emporte les éléments du monde hors de toute possibilité de saisie.
La pièce est sous-tendue par une trajectoire faisant alterner le mobile et l'immobile, moments de vertige figés précédant une nouvelle rafale effaçant toute réalité et entraînant l'univers dans un inévitable glissement.
La présence tout au long de l'oeuvre d'éléments obstinés, présentés de différentes façons et culminant à la toute fin, souligne le caractère inexorable de cette vision du monde.

Edith Canat de Chizy

Ce Kyrie fait partie d'une Missa brevis commandée à trois compositeurs.

Hadewijch d'Anvers, mystique et poétesse flamande du XIIIè siècle, était une béguine, auteur d'écrits en flamand, traduits en français au XVIIIè siècle. J'ai utilisé ici ses Poèmes spirituels"en retraçant les trois étapes successives de son itinéraire spirituel: la période "affective", la purification, "absence de l'Aimé", et l'union, l'anéantissement en Dieu, la "fruition".

J'ai tout de suite été très intéressée par ce projet de Christophe Desjardins et Rachid Safir autour de la voix et de l'alto, sur le thème "la voix et l'ombre". Les cordes et les voix sont en effet, dans mon parcours de compositeur, mes domaines de prédilection.
Dans la perspective de cette thématique de l'ombre, j'ai choisi ce poème de F.G. Lorca : La sombra de mi alma ("L'ombre de mon âme"), destiné à une pièce pour trois voix de femme et alto.
Tout en respectant l'articulation du poème (cinq strophes et deux envois), j'ai opté pour une écriture très contrapuntique qui mêle intimement l'alto et les voix.
Cette pièce d'une durée de onze minutes sera présentée le 1er février prochain dans le cadre de l'émission de Jean-Pierre Derrien "L'Atelier du musicien" sur France-Musique.

Edith Canat de Chizy

Sur un poème de Federico Garcia Lorca "Berceuse" al espejo dormido.
Le thème de la berceuse est très présent dans la poésie de F.G. Lorca, lui-même s'étant imprégné des "nanas infantiles", mélodies populaires espagnoles des provinces de Galice, d'Andalousie ou des Asturies.
La "Berceuse au miroir endormi" est un poème mystérieux, sibyllin, narcissique, évoquant des reflets infinis. Le traitement polyphonique des voix tente de traduire ces échos insondables et tragiques, scandés par la percussion.

Edith Canat de Chizy